Joaquín Torres Garcia
Toshiko Takaezu
Henri Matisse
Mark Rothko
Jean Dubuffet
Auguste Rodin
Eduardo
Schiaffino
Pablo Picasso
Estética Taoísta
Teoría China
del arte
La Tésis de Paraménides
Las Palabras y
Las Cosas
La Importancia
de Comprender
La Actualidad de
Lo Bello
Eurindia
Entre La Ignorancia y La Iluminación
El Pensamiento y
Su Poder
El Libro del Té
El Impresionismo
El Definición de pompierismo
El arte es meditación- Osho
Artista
Labor docente
Labor curatorial
En relación a las preguntas de María Spinelli
Para bola de nieve
Presentación muestra Carlos Retamozo
Presentación muestra Déborah Pruden
Presentación muestra Mariano Baqués
Presentación muestra Javier Barilaro
Revista Veo 07

ARTISTA

Veo la naturaleza como unidad de forma y sentido. Siento que a eso pertenezco, que eso soy. Parte y todo. Conciente de lo continuo, de lo integrado como verdad.

La disciplina en la contemplación estética como sistema de captación directo, la necesidad de introspección como vía de encuentro, armonización y preservación, el disfrute en el hacer manual, en la percepción corporal de las energías, la necesidad de objetivación de mi experiencia me acercaron al lenguaje de las formas. Ingresar en esta tradición me llevó a indagar sobre la naturaleza de lo artístico.

Recibo inspiración por vías diversas, discontinuas, no jerárquicas cómo se presenta ante nosotros ahora, el mundo de lo estético y del desarrollo espiritual.

LABOR DOCENTE

Transmitir este oficio es un ejercicio analítico en relación a la estructura y procedimientos del lenguaje. La manera en que estos se reorganizan a partir de formas y procedimientos del hacer contemporáneo es el estilo buscado.

La fuente resulta ser la totalidad de la producción de las diferentes épocas percibida en forma panorámica y simultánea. La vía es la contemplación, el entrenamiento en la disposición de ánimo receptivo, la comprensión del oficio de los maestros. La entrega al disfrute estético.

Entiendo al artista como sujeto de esta experiencia de actualización del saber contenido en las formas. El vehículo y el objetivo es el hacer vinculado entre la tradición, la necesidad expresiva personal, la posibilidad de generar belleza y obtener desarrollo espiritual. La obra es codificación de estos procesos que serán resignificados al ser contemplados.

LABOR CURATORIAL

Planteo a partir de la mostración la cuestión del sentido del arte, de los límites difusos de ese concepto. El lugar del goce estético y la contemplación. El rol del artista como generador del evento plástico.

Entiendo que la identidad como percepción de forma y contenido, de sustancia y esencia es el territorio en que el artista, su producción y las corrientes que los vinculan pueden ser percibidos como tales y consumar su existencia.

Concepto de identidad basado en autopercepción clara, conciencia de la propia sustancia y límites. Percepción de lo uno y lo otro como matices diferenciados, articulados, no como polaridades excluyentes. Resignificación de lo individual como responsabilidad de lo uno frente al todo.

Oriento la selección hacia obras que den cuenta de experiencias personales ricas y profundas, con lenguajes desarrollados o intentos expresivos originales. Con imágenes o procedimientos no necesariamente valorados desde lo establecido, tratando asimismo de evitar los lugares comunes de lo “alternativo” , lo”cuestionador”, lo “experimental” y las propuestas imitativas.

Entiendo mi posible contribución en este campo a partir de la visualización y promoción de valores plásticos y artísticos, históricos y contemporáneos que forman o formarán parte de nuestra identidad.

   

EN RELACIÓN A LAS PREGUNTAS DE MARIA SPINELLI

Hablar de mi pintura sería hablar del soporte de mi experiencia artística, de mi vía de desarrollo espiritual,  de mi forma de recibir y sumarme a la experiencia codificada que es el oficio de los pintores y escultores, de los artistas plásticos.  Es ejercitar, descubrir recibir la trasmisión y en ese mismo proceso replantearla en formas y procesos actuales.
No creo que halla esencialmente algo nuevo sino sólo en cómo eso se manifiesta. Este creo es un punto clave que hace que sea un conocimiento vivo y trascendente en el tiempo.

Creo que una pintura siempre representa porque no percibimos visualmente sino configuraciones, aunque esa representación no sea temática, el plano abstracto está en todas las pinturas representen estas objetos o imágenes. L a cuestión temática  es cómo una melodía que hilvana, da acceso, aporta otro plano de soporte. Entiendo la pintura cómo lenguaje simbólico en si mismo, no descentrado hacia lo retórico, argumentativo, o lo que alude a otra cosa distinta de lo que es. Es una mostración, propone identificación, experiencia  sensual, goce. No comunica sino promueve, motiva un movimiento de espíritu  en el contemplador que resignifica la obra.

No creo poder decir que hay un núcleo conceptual , el concepto está presente cómo en toda actividad mental pero no aislado o siendo “núcleo”.  Tal vez cómo un preconcepto no puedo dejar de ver en esta pregunta la necesidad de vincular  la pintura  a los paradigmas  de “lo contemporáneo”, legitimarla. Pienso que justamente la eficacia de la pintura está en poder trascender los postulados que se van cristalizando para no volverse académica (main stream) y seguir confrontando las ideas.

Más que una pintura funcione lo que siento es que el proceso artístico  se establece y se torna una forma de estar en el mundo, una pintura  “funciona”en tanto se me torna el camino de acceso a otras obras y en la medida que va generando contempladores, es decir personas que se conmueven al verlas, que reciben su estímulo.

El sustento es toda la obra de la tradición que veo, en particular prerrenacimiento, o las corrientes más simbolistas, constructivas, espiritualistas .  Las de otras tradiciones “artes étnicas”. Cómo referentes actuales argentinos Uriburu, Macció, Cambre.  De occ.  Hockney, Warhol, Haring, Basquiat. Anteriores Dubuffet, Niki De Saint Phalle.  Actuales de acá Pombo , Marcia Shvartz, Benito Laren, Lidner, Arellano,Agustín Ichausti.

Creo que el grueso de la llamada producción contemporánea apunta a experiencias distintas de las que puede proveer la pintura artística. Lo cultural , el centro cultural y el museo dinámico, como espacios de  distención ( banal o sesuda) los  hace poco proclives a albergar la experiencia artística.  La pintura es ubicua y encuentra lugares que a veces, en realidad nunca, son los previsibles. La entiendo como una experiencia de empirismo radical que promueve sus propias leyes, su propia forma de vincularse, de establecerse. 

Creo que mi trabajo tiene muy poco que ver, por lo antes dicho, con lo llamado producción contemporánea  y la relación que se establece es por coincidencia en algunos espacios pero considero que son experiencias que transcurren en planos diferentes. El aparato de comprensión de lo contemporáneo hace que este tipo de experiencias sean erróneamente interpretadas y habitualmente simplemente ignoradas. Por otra parte las instancias de legitimación  pasan a ser “ el gusto”, los “connoseurs ”, los que gozan, los otros artistas, los que  entienden que materia y espíritu están unidos.

PARA BOLA DE NIEVE

De estar dentro de mí, retraído;  a los cinco años viví uno o dos en una plantación  en la provincia de Corrientes, rodeado de monte y bañados, fue la primera experiencia de expansión de conciencia que recuerdo.  El tango “Garufa” cantado por mi mamá es el hecho estético que tengo presente de años anteriores.

Viví en la alternancia entre la introspección “del año” en Buenos Aires, en la cultura; con  los veranos en el campo entrerriano donde recuperaba la sensación de unirme al paisaje y a lo salvaje, a lo natural.
La vida de  Hermógenes Cayo,  imaginero de la Puna, que conocí  de muy chico por el  documental de Jorge Prelorán  quedó como ejemplo de una forma de estar en el mundo que siento mía.
 
Siempre me entusiasmaron los libros y el saber aunque pronto me decepcionó lo que después sabría es el conocimiento intelectual por parcial y temporario. Preferí la experiencia del mundo.  Una y otra vez, de una u otra forma volví a buscar lo frondoso, lo sensible, lo táctil, lo concreto.

Me sentí aceptado en esta tradición cuando llegué al taller de Araceli Vázquez Málaga. Con el oficio me transmitió este sistema de desarrollo espiritual, la responsabilidad de conocerlo, practicarlo y transmitirlo, el compromiso de fidelidad a su verdad y la gracia de disfrutarlo.

Fue ella quién también naturalmente me vinculó con la obra de los maestros. Quién me hizo reconocer en Giotto a un antiguo abuelo, quién me habló de su contacto directo  con Enrique de Larrañaga y Pío Collivadino, quién me sugirió ver la muestra de Felipe Pino en Artemúltiple de Gabriel Levinas o “ Incendio   del Colegio Jasídico de Minsk de 17..”  de Roberto Aisenberg en Fundación Lorenzutti.

“Antiestética” de Luis Felipe Noé organizó mi pensamiento y me reveló el vínculo de esta sofisticada disciplina de la pintura con su contenido primario, arquetípico y mágico.

Encontré en el pintar primero un refugio, un camino de introspección y equilibrio tan propicios al crecimiento y después una vía de expresión y celebración.

 1  Elegì mostrar acá la última pintura que terminé. Es un  óleo sobre bastidor de madera de 56cm X 80cm X 12cm de profundidad y bordes  recubiertos  en alpaca.  No tiene título pero las palabras que son su tema y estructura podrían pensarse como tal, no decirlo lo convierte en un mensaje a descubrir.

En su factura confluyen varios procesos anteriores en lo concreto y lo imaginario que hacen difícil precisar cuando comienza.   En 2002 armé los textos de la serie de 22 pinturas en base a afirmaciones, frases devocionales y enunciados del sistema de la “talidad” . Estas palabras arman la estructura de dibujo al adecuarse a los formatos de  los bastidores que venía reciclando, armando y preparando.

Tomé la idea de pintar palabras de una pintura-poema de Paul Klee. Los colores usados son los de los “colectivos” y el fileteado.

La forma de la primer mancha de 02  me resultó bastante extraña y caótica  en 2007 lo que demandó muchos cambios y replanteos.

Estas palabras resumen la sensación de lo  limitado de los enunciados en contraposición a la  “mostración” de experiencia que es un cuadro.

Siento la madera reciclada, la alpaca y el objeto pesado como una forma de vincularme con el barroco criollo.  El preparado de las superficie , la pintura gruesa y táctil me remite al acabado de  las superficie metálicas de los barcos  innumerablemente pintadas.

Exploro la sensación de lo vivo, bello y  fresco contrapuesto a lo arduo y complejo del proceso.
Tomo la estética de las corrientes formalistas y otras veces las del “arte por el arte” como fuente de gozo y de sabiduría trascendente.

De los artistas sociales o de contenido tomo su compromiso con el sentido ético del trabajo artístico. 

  1. Me gustaría que mi trabajo pueda ser mostrado , contemplado y gozado.   Las “lecturas”tienen que ver con intereses  ajenos al significado de las obras y al  hacer de los artistas.

“Leer” entonces  es entender, archivar, contextualizar, historiar pero no participar y consumar el significado de la obra. Pediría la lectura menos violenta o ciega posible en relación a la unidad y complejidad de mi proceso artístico y a la más amplia consideración de sus fuentes, lealtades y proyecciones.

3.    Creo que hay una construcción cultural,  llamada “campo artístico nacional e internacional”  de la que estoy excluído o invisibilizado por la naturaleza de lo que hago.  Me reconozco en la tradición de la pintura y me siento contemporáneo de todos los que pintaron.  No siento marcada afinidad por ninguna forma o estilo en particular poniendo sí, la atención en la profundidad, la hondura poética o la artisticidad de las obras.

Mi referente en este punto fue Iris Scaccheri quién al tener un lenguaje distinto al mío, el de la danza, me permitió reconocer la experiencia artística como foco de mi interés, como artistas-pintores: Joaquín Torres-Garcia y Benito Quinquela Martín.

Otros referentes: Rómulo Macció, Luis Felipe Noé, Juan José Cambre, Nicolás Garcia  Uriburu, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Alberto Heredia, Marcia Schvartz, Duilio Pierri, Marcelo Pombo, Lux Lindner, Benito Laren.

De otra generación: Déborah Pruden, Agustín Inchausti, Vicente Grondona, Florencia Bohtlingk, Fernanda  Laguna, Sivia Gurfein, Ernesto Arellano, Santiago Iturralde, Marina Bandín, Hernán Salamanco, Oscar Benedeccti, Javier Barilaro, Alejandra Seeber, Manuel Esnoz.

4.    En los últimos años estuve especialmente interesado en las muestras antológicas de Antonio Berni, Raquel Forner, Fernando Fader, Raul Soldi, Roberto Aisenberg, Leónidas Gambartes, Bernaldo Cesáreo deQuirós, Xul Solar, Juan Del Prete, Juan Batlle Planas, Alicia Peñalba, Pablo Curatella Manes, Grupo Orión, Leopoldo Presas, De la Vega, Santiago Cogorno, Libero Badií, Antonio Pujía porque me permitieron reconocerme.

Me inspiraron las de los “Mariscos en tu calipso” y “Martes 13” de Esteban Pagés y Emiliano Miliyo y la obra de Marcelo Pombo, Benito Laren y Lux Lindner.            

  1. Los agrupamientos parecerían estar determinadas  por razones extra-estéticas. Son operativos en relación a la posibilidad de financiamiento o difusión.Por un lado las tendencias imitativas, “main-stream”,  “artecontemporáneo” o arte oficial buscando respaldo, reconocimiento o inclusión en: salón, bienal, documentas, feria , galería, crítico, texto, curador y por lo tanto descentrándose y perdiendo identidad.
Por otro lado, las tendencias expresivas, autodidactas (talleres libre- expresión, mitologías personales o cotidianas,  Rojas, Belleza y Felicidad, Appetite...) que son enorme fuente de vitalidad y  libertad de lenguaje.

La corriente con la que siento pertenencia es la de los pintores- artistas o pintura-pintura.   Como disfrutamos de un momento de libertad y dulce anarquía de las formas es difícil que puedan percibirse, ahora, elementos que conformen agrupamiento sin tener perspectiva en el tiempo.

PRESENTACIÓN MUESTRA CARLOS RETAMOZO

El espacio es el de la perspectiva geométrica, ordenado hasta el infinito, razonable, que parece un mundo cerrado por lo previsible.

El color ardiente, lo exótico como posibilidad de luz, de celeste, de frescura exceden el límite del ámbito conocido.

Los que habitan este orden quieto están dispuestos, son receptivos, esperan el instante siguiente como lo nuevo.

La narración es reticente, chupa el sentido, lo retrae o posterga pero lo promete. Es el mundo por descubrir, por empezar. El viaje o el porvenir. Lo que no podemos dimensionar, contar, compartir . Lo desconocido pero existente. Lo que nos da curiosidad, expectativas. Lo que esperamos con ansiedad, lo que deseamos con inocencia .

PRESENTACIÓN MUESTRA DÉBORAH PRUDEN

Déborah es un lago. Hablar del espíritu de un artista o hablar de su obra es lo mismo cuando su materialidad, el oficio, lo objetivo o su forma en el mundo, no lo exceden. Cuando es menos cosa que vida.

El lago en su centro es quieto y silencioso: la actitud del que contempla. En lo profundo es oscuro por indevelable ,como cualquier alma.

En la cara que vemos, lo plácido refleja las diez mil formas y recuerda momentos, que pasan a ser fragmentos de pintura en la tela. Esas instantáneas de certeza son brochazos o manchas aguadas o pinceladas tiernas o casi una cara o casi un árbol. Esa parte de la realidad que podemos abarcar y que por comprendida y disfrutada nos satisface. Hay faltas, espacios intermedios, tela en blanco, silencios. Descanso.

Recuperamos el aliento para encarar el siguiente pantallazo, la tranquilidad de visión para recibir un nuevo estímulo, el tiempo para incluirnos en la evocación. Las ganas de verlo todo.

El cuadro no postula, se nos presenta para ser recorrido sin dirección prefijada, el tema organiza sin categorizar. Participa de un orden natural. .

PRESENTACIÓN MUESTRA MARIANO BAQUÉS

La riqueza de Mariano es convertir los materiales en emociones, lo concreto en simbólico. Hacer que un proceso espiritual cobre un valor objetivo. Poder codificar su experiencia en el cuadro.

El investiga, hace, conoce. Evoca y actualiza motivos y sensaciones pictóricas. Arma, desarma y recompone en un proceso de complejización de relaciones. Se expande. No teme. Pierde y reencuentra. Ve más.

Genera configuraciones complejas, ricas de fragmentos sensuales pero estériles en cuanto aislados. Lo bello no aparece como algo estable, cerrado, completo sino como lo reformulable, renovable, dinámico. Va del desorden sustancioso al orden operativo. Lo infinitamente posible. Mirarlo, participar, nos incluye, nos hace responsables, comprometidos. Contemplar nos funde, nos agranda. Nos enriquece.

Lo carente, lo faltante, lo ausente, dejan lugar a lo disponible, lo suficiente. El acceso a lo diverso, a lo que nos excede nos aleja de lo siniestro, de lo inseguro. La tranquilidad da medida. Lo justo va contra lo voraz, lo mezquino, contra el despilfarro, el derroche.

Lo abundante que no se quita de circulación, no se guarda, no se retrae, no se ahorra. El recurso que se constituye en acervo, en patrimonio. Lo que se ofrece sin que haya merma. Lo que al mostrarse se acrecienta, se carga.

Identidad rara que no está basada en asimilación a un modo, a una categoría , a una forma particular. Identidad asentada en el lugar de lo único como parte de un todo. De convivencia con lo excéntrico, con lo distinto, con lo opuesto. De una parte que se potencia en el conjunto. De un todo que es parte de otro todo.

Experiencia infinita, inabarcable, trascendente que el cuadro nos hace accesible.

PRESENTACIÓN MUESTRA DE JAVIER BARILARO

 

2006  
Belleza y Felicidad:
Nosotros - Javier Barilaro
"La poética...está! Las acciones que lo intentan todo, creyendo que todo es principio de algo, que hacer es lograr, que deshacer también es acción. La voluntad proyectada con propósito claro aunque sin meta definible. La capacidad de hacer habitar las fuerzas en las formas. Lo improvisado con fe, lo buscado con plenitud, lo inocente, lo infinitamente incompleto. El límite, la convención, la letra o el cuerpo como estructura. La construcción resulta de lo que sucede, no es arbitraria o errática, se sujeta a la lógica de lo armónico de lo que equilibra, de lo que ompleta. De lo que tiene entidad. De lo que es. Lo bello se deja entrever fragmentario para recomponerse en la unidad vital, la del fervor. Mirar, tocar y oler. Cada momento, cada parcela nos llama a estar atentos, a considerar para conocer. La experiencia hace de nosotros: uno."

REVISTA VEO 07

Pintar sobre una lámina impresa, que además es representación de algo distante califica el ahora. La intervención es catártica, resucita.

“Jarrón con flores” es un item tradicional de la pintura con un misterio codificado.
Desde lo temático: ... sugestión de lo efímero del goce? ...convivencia de las mil formas de la belleza? ...el mundo como dispensador de satisfacción? ...la exaltación como medida.
Desde lo plástico: una experiencia de lo aleatorio. De lo heterogéneo. De la simultaneidad. De las plenitudes.

El cuadro como espejo de mí. Me abarca. Es mi autorretrato. Si es espejo también te refleja. También te exhalta.